計
こういう映画にこそお金を使おうという意図が、画面の豊かさから感じられる。
日本的な曖昧さとは真逆の、台詞やナレーションで明確に表現することとも合わせて、海外にも向けて作られていることも感じられる。
しかし、「『見てくれの良さ』『しっかりした映画』だけの映画」でしかないとも思えた。
映画に求めているものの中のある部分はカバーできていても、大きな部分がすっぽり抜けているような気がする。
登場人物のキャラも典型化されていて、生身の人間らしさがないつるんとした肌触りのキャラだから、何もひっかからない。
まぁ、そんなジャンルの典型を観て満足する人もいるだろうけど…。
対象人物たちも、考えは宗教的だが、限度を超えて医療に持ち込まないし、他人を巻き込んでないので、個人の意思の範囲内。
ただし、題材的には多くの人には意味が薄いと思われる。
今泉力哉監督はまだ20代なので、約20年前のたまのデビュー当時のことはよく判らないと思われる。
しかし、むしろだからこそ監督の依頼を受けるに当たって、たまのことを一から調べて、たまをよく知らない人が観ても彼らのことを解りやすいような構成になっている。
そんなきちんとした映画作りの姿勢が感じられるドキュメンタリー作れたのかもしれない。
元たまのメンバーの今の姿を題材にするというと、テレビバラエティ的には「あの人は今…」のような番組のノリで連想する人が多いかもしれない。
即ち、かつては売れっ子だった人たちが、今では人気が無くなって、さぞかし経済面などで苦労している姿を見ることを半ば期待する気持ちである。
しかし、この作品からうかがえるたまの姿は、ヒットして有名になってもその後人気が下火になっても、状況からは影響されずに自分たちの小規模な音楽スタイルをずっと守り続け、グループは解散したものの、各人は最初からほとんど変化なく今に至っているだけに見える。
たま自体は極めて自然体で、そんな彼らが「ヒット」した時期というのは、良し悪し以前にまさに「異常」としか言えない状況だった。
つまり、多くの人が知ることになって記憶に残っている「たま」のイメージは、そんな「異常」な頃のものでしかない。
そう考えると、たまに限らずメジャー展開しているミュージシャンの活動、即ち我々が主に目にしている音楽に関わる状況は、彼ら本来の姿からはかけ離れた「虚構」であって、我々は「実体」よりも圧倒的に大きな「虚構」に接してそれに踊らされているだけかもしれない。
そんな「自然と不自然」、「実体と虚構」について考えたのも、この作品がたまの自然体な雰囲気に合わせた、けれんみのない自然な作風になっていて、自然な状態こそが当たり前のあるべき姿だとつくづく感じたからだろう。
映像もさりげなく落ち着いて綺麗。
それは…、
＜以下、ネタバレ＞
これって、実質的なオリジナルのリメークで、ストーリーはおろか、いくつかのショットも家のつくりもそっくりで、かなりの部分をなぞっただけで作ったように見える。
手抜きじゃないの？
つまりは、ビデオカメラを回し始めた時から明確な目的があったわけではない。
完成した作品を観ても、例えば彼女の死の真相を追及して、誰かを糾弾しようなどという意図は感じられなかった。
当事者たちへのインタビューも余りなく、結果的には傍観者から見た「記録」という形に見える。
とはいえ、彼女の死という出来事が大きなきっかけであることから、私的な想いが込められた映画でもあろう。
ところで、このドキュメンタリーの対象になっている活動家たちは、現状打破のために突き進む強い信念を持った人たちである。
それに対して、監督はそんな人たちに惹かれながらも、結局彼らのようにのめり込むことができず、そんなスタンスは上記の作品のありようとも一致する。
ざっくり言えば、両者の間にははっきりした境界線があって、「信念を持てる人」と「信じるものを持てない人」の2種類に分けられるように思える。
例えば、この映画の中の人たちが主に敵視するのは「アメリカ」で、打倒アメリカで突き進んでいる。
でもその「アメリカ」に具体的イメージがどうしても持てない。
文字通りだと「全アメリカ人」を指すことになるが、そうではなくて「一部のアメリカ人」なのか？
アメリカの覇権の目的が「経済」だとすると、お金儲けを考えている世界中の大半の人たちとの違いは何なのか？
などと考えると、「アメリカ」を敵視するような単純化されたような行動には疑問を感じてしまう。
そして、あくまで結果論だが、この映画に登場する活動家の人たちは、目的が達成できてないか、挫折して脱落した人たちばかりである。
それでも金子監督は、活動家の人たちを失敗者扱いするというより、自分と同じように迷える人たちとして捉えているように思える。
この作品が何かを追及する意図が感じられないのも、自分も含めてこの映画に関わった人たちの過去、特に彼女の死をほじくり返しても、何も好転しないと感じているからではないだろうか？
そんな意図の弱い作品は、観る側にすれば作品から受ける手ごたえが弱いかもしれない。
しかし、ネットではブログやツイッターによって発信者の精神的な敷居が下がり、たくさんの個人的な想いが多くの人の目に触れるようになったことが、新しいコミュニケーションの世界を作り出したことを考えれば、映画だって敷居を低くして個人が作品を発表しやすくすれば、たとえ私的な映画でも誰かが受け止めてくれるかもしれない。
その可能性の芽を摘む必要はないであろう。
エモーショナルな映画を目指す意志が強い。
ときめく映像。
狙いすましたような優ちゃんのキャラ作り（ツンデレ？）
廣木監督作品にハズレなし。
ストーリーは一応あるけど、ドラマが無い、よって「物語」になってない。
ハンセン病の問題を真面目に取り上げているが、真面目な映画だから、登場人物がみんな善人の映画だから良いとはならない。
料理に例えれば、食材に不味くない程度の味付けをして、栄養があって腹が膨れれば良いか？と言えば、家庭料理だったらいいかもしれないが、お金取って赤の他人に食べさせるものとしては、誰も客が来なくても不思議じゃない。
そして、そんな食堂に大企業が出資するなんてことはありえないが、この映画には製作委員会に10社ぐらいの会社が名前を連ねてるのを見ると、今にもすべてが崩壊しそうな異常なことが映画産業ではまかり通っていると思ってしまう。
そんな要素を描くフィクションを作るに当たって、ドラマチックな要素を排して、わざとらしくない、作り物っぽくない、つまり現実にありそうなエピソードをリアリティを重視して、現実を意識して描いたように思える。
フィクションとして厚みを出すために、ストーリーや演出をドラマチックにするという、味付けをするアプローチもあるだろうが、逆についている味を抜いて素材の状態に戻したような感じである。
でも、そのようにリアリティ重視となると、「ドキュメンタリーと比べてどうか？」ということが気になる。
ドキュメンタリーで作れば、フィクションよりリアリティがある映画になることが期待できるので、より現実を意識していることになる。
そこをあえてフィクションで作るということは、ドキュメンタリーにはないものを盛り込むことができる利点を生かすべきであろう。
では、実際の『海炭市叙景』から、フィクションならではの良さが感じられたかといえば、そこはやはり弱かった気がする。
なにしろ、「フィクションとして厚みを出す」のとは逆のアプローチなのだから。
それでは、逆にリアリティがドキュメンタリー並にあったかといえば、それも怪しい。
今は昔に比べて、ドキュメンタリー向きのビデオカメラの性能が上がってなおかつ安くなったので、ドキュメンタリーを作りやすくなり、多くの作品を目にするようになった。
そんなドキュメンタリーの方がずっと人物のキャラが豊かで、比べて『海炭市叙景』の方は、しょせんは演じているのであって、世界も作り物で、人物も生きている感じが弱い。
このことを象徴しているのが、スナックのシーンに出てくるフロアレディの芝居で、俳優ではない実際のフロアレディが素で演じた芝居の生っぽさが他を圧倒していた。
フィクションでありながらリアリティの高さを目指しても、現実の壁は想像以上にはるかに高くて、結果的にドキュメンタリーには適わなかった。
フィクションがどの方向を目指すかによっては、達成することが非常に困難な場合もあるということだろう。
少数派の息苦しさや孤独も実感があった。
これまでの韓国映画には、良し悪しは別にしてどこか「やり過ぎ」、「スタンドプレイ」、「こってり」といったことを感じるところが、どんな映画にも少しはあったものだが、この作品はそんな感じがしなかった。
韓国映画は、作る側も洗練された表現も出来るようになり、観る側も受け入れられるようなり、共に進化しているのかもしれない。
ロケが本当に素晴らしくて、観たら忘れらないイメージがたくさん。
しかし、どうした訳かこの映画は、彼女に迫ってキッチリ見せることはしてくれない。
彼女のアップのショットが少なく、表情も長い髪に隠れて判りにくい。
彼女と一緒のシーンが多い脇役の大竹しのぶや井上晴美の方が、同様にアップがなくても貫録で圧倒していた。
彼女が演じた役の深みが感じられないという大穴は、深みを出そうとしなかったのか？出したくても出せなかったのか？いずれにしろ残念。
登場人物に迫るようなカメラもいい。
終盤の急展開は、目いっぱい頭を使って観たけど、一部頭が追い付かなかった。
そんな理不尽なことを世の中に蔓延させているのは、まぎれもなく人間自身。
でも、一人ひとりの人間は、世の中を悪くしようと思っている恐ろしい存在では決してなく、個人のささやかな想いが、集合すると世の中をおかしくするまでにエスカレートしてしまう。
ちょっとした願望が強欲に、清く正しい世の中を願う気持ちが潔癖症的な不寛容に、といった具合に。
社会の悪の根源をたどると、そこはむしろ個人の善意だったりする。
よって、人間の営みに善悪の区別はつけられず、人間という生き物はつかみどころが無い。
こう考えると、「人間とは？」「社会とは？」と考えて、そのあるべき姿を追及するなんて、バカバカしく思えてくる。
それどころか、そんなことを真面目に考えることこそ、人間を間違った方向に陥れることになりそうである。
映画の中で、「他人に与える神様と、何もしない神様と、どっちになりたいか？」という問いが示されるが、まさに「何もしない神様」を選んだ方が良いという考えである。
『堀川中立売』は、人間社会を描く映画を作るに当たって、以上のように「クソ真面目よりも適当にバカバカしく」した方が適切との考えに
人間のつかみどころのなさを妖怪になぞらえておぞましさを示すと同時に、妖怪退治モノとしてスカッとした娯楽性も兼ね備えた映画になっていた。
そして、妖怪が出てくる映画にふさわしい、狭い路地が入り組んだ京都の住宅地の雰囲気や、妖怪退治に乗り出すのがグウタラとヤクザ風と子供というギャップがある設定もいい。
人の想いがIT化によってあっという間に世界的な悪意になってしまう現代を描いた壮大な物語だけども見た目は庶民的、社会的だけどおもいっきり砕けているという、奇妙なファンタジー映画だった。
人間がアクションしてなければ、もはやアクション映画じゃなくて「高速モンタージュ映画」だろう。
俳優たちの動きが判らないくらいのあんなに短いカットの連続じゃ、マツコデラックスだって主役が務まるだろう。
大御所アクションスターの大量出演は、それだけでちょっとした味があったけど、所詮大御所は「自分では動かない人たち。もしくは動けない人たち。」だったということか？
以下は憶測だが、この「目くらまし演出」はスタローンが年で動けないことが理由で、彼より若い他の俳優たちもスタローンに合わせたことによるのだろうか？
だとしたら、スタローンは自分がまだ現役だと思わせることがこの映画の目的で、そんなことのためにいいアクション映画作りがないがしろにされたことになる。
自分は脇に徹して、ジェイソン・ステイサムやジェット・リーのアクションをじっくり撮るべきだった。
もしくは、クリント・イーストウッドの『スペース カウボーイ』や、スティーブ・マックィーンの『ハンター』のように、自分の老いを隠さない潔さを見せるべきだった。
そこを避けて見栄を張ることだけ気にしているとしたら、なんとも情けない。
彼の演じた悪役が魅力的にみえるのは、他の侍たちが「主君のため」とか「公儀のため」などと「○○のため」に生きることを生きがいにしているのに対し、自分にとっての○○がないことに加えて、他の侍たちの○○を信じる生き方も、その○○自体にも冷めた目で見ていて、言わば唯一世の中の虚しさを感じ取っていた役だったからだろう。
逆に、それ以外の刺客たちが、本来ならもっとキャラ立ちしていなければいけないのに、埋没気味だったところがもの足りないか？
前半での、ローソクに照らされた夜の室内の薄暗さや炎の瞬き、谷村美月の眉なしお歯黒の既婚者メークなど、細部のリアリズムがおざなりだったこれまでの時代劇の常識を破る意気込みがあるのか？と思ったが、結局そこまでだった。
深津絵里が女優賞を受賞したことが話題になっているが、妻夫木聡も今まで見せたこともないような表情を見せていて、これを引き出した監督も凄い。
あと、雨の撮り方など、細かいところも印象に残る。
でも途中で、話を広げ過ぎて長いかな？と感じた。
観終わっても、松尾スズキのエピソードだけは本当に不可欠だったのか？が微妙。
内幕モノでない以上、業界内の実情は詳しくは描かれてなくて、情報の不足は観る側の知識で補完する必要がある。
よって、AV女優になったことによる心身の負担は、そんなに切実かつ具体的に表現されてないが、はたしてそれはどうなのか？
終盤になって、リアリズムに反した表現が多くなったことからも、ありがちなリアルな「内幕モノ」には断じてしなかったということか？
主演の安井紀絵は、最初は親にいじめられる弱気なOL、次が無理にキャラを作っているAV女優、そして肝の据わった女の顔と、新人ながらも三変化を見せられたのは幸せだと思う。
2010/10/03更新
観てる最中、映画って一般的にどこに惹かれていい映画だと感じるのか？ということを考えていた。
まず頭を使ってひねり出したアイディアが詰まっている映画。
それから、アイディがや技術が無い場合は、せめて体を張ったり、思い入れを入れ込んだり、心意気のある映画。
『REDLINE』がどうだったか？といえば、手間暇かけてるからといって、普通の人だって皆何十年も毎日8時間、週5日働いているのだから、時間と仕事量だけでは尊敬に値しない。
思い入れや心意気は、作り手たちは持っていたのかもしれないが、私が『REDLINE』から感じたのは
「この映画を観てくれ！」
という心意気ではなく、
「解らない奴は解らなくていいよーん。」
という開き直りの声を最初から最後まで聞かされ続けた気分だった。
よって、こっちだってそんな映画に気持ちを入れようなんて思わない。
即ち、前半で数々の人々の日常のドラマが繰り広げられ、中盤で災難が襲い、それぞれのドラマが大きく転換するというもの。
そんなわけで、パニック映画はスペクタクル以外のドラマの要素が意外に大きいのだが、『TSUNAMI』の場合は上記の基本展開をなぞっているだけで、それ以上の深みがドラマにはなく、一言で言って「雑」。
まあ、ディザスター映画は基本的に見た目が荒っぽいので、ドラマが大味で荒っぽくてもなんとなく観れてしまうんだけど。
現実の地震や津波や津波警報と比べると、この映画でのそれらの描き方はデタラメな部分がかなり多い。
映画ではデタラメはある程度許されるのだが、デタラメがまかり通っているのが一般的な韓国人の津波に対する無知のせいだとすると、この映画による間違った情報が津波を甘く見ることになって被害を拡大させなければいいんだけど。
（例えば、数十メートルの津波をまともにくらっても、流されずに生き残ったりしている。 実際には多分即死。 それに、これを観た人は実際のずっと小さい津波に対して何ともないと油断しかねないが、50センチぐらいでも人は流されてしまうので、ものすごく危険。）
2010/09/27更新
この考えは映画に対しても同じで、映画を観た後で、たとえ一瞬でも観る前と気持ちが変わったと実感できることを映画に期待していると思う。
『オカンの嫁入り』がどんな映画だったかといえば、母娘を中心にした人と人とのやり取りを、「日常的に」、「暖かく」描こうとしているように思えた。
そのための関西弁や食べ物の多用だと思う。
ハイテンションの芝居でドタバタ喜劇にできそうなストーリーなのだが、それを避けてあくまで日常的にありそうな自然な映画を目指しているようだ。
でも、その方向性って、上記の例えを用いると、「私に影響を与えてくれる」のではなく、「真面目な人間」になろうとしているようにしか思えず、会話劇の楽しさや料理の美味しさが完璧に表現できたとしても、それだけでは観て良かったと思えないだろう。
言語の要素が少なく、言葉にできない雰囲気などの要素が大きいのが、映画ならではの面白さ。
ナンパ映画として、偶然(?)にも邦題の雰囲気が似ている『去年マリエンバートで』みたい。
「シルビアって、誰？」、「マリエンバートって、何処？」
「シルビアって、本当に存在したの？」、「去年、マリエンバートに居たって、本当？」
といった感じ。
そのためか、「難病モノにありがちな、ベタベタと悲しいシーン」、「地方風俗モノにありがちな、手前味噌的押しつけがましさ」といった悪い先入観に配慮して、「臭くない映画」「押しつけがましくない映画」にすることを徹底している。
その上、主人公2人に面白い会話劇をしっかりとさせているところとか、花火の美しさをしっかりとらえていたりとか、見どころとなるべきものをきちんと押さえている。
丁寧に作られているという点でとてもよく出来ている映画だが、物足りないのはオリジナリティが無いことで、まるで誰かに作らされた映画にしか見えない。
レストランに例えれば、いい食材を使って、レシピに忠実に作ったような料理を出すので、確かに美味しいのだけど、個性に欠けているので、レストランとして魅力を感じないようなもの。
中年だって、片想いは素敵なのだ。
「あそこは『デリカテッセン』みたい、ここは『アメリ』に似ている。」という言い方で、『ミックマック』の全部を説明できてしまいそう。
布団の上で上になった方が一方的に欲望を満たし、下になっている者の気持ちを察しない。
夫婦の文字通りの上下関係の変化が力関係の変化を表していると考えると、解った気がする。
あまりにも現実離れした世界は実感として受け止めるのは難しいが、それでも小さな子供の成長と、自分が教えられることを子供に遺そうとする父と息子の人間同士のドラマとして心に訴えかける映画だった。
でも、実際の『NECK』は主役たちは二十前後の設定なので、無邪気な内容に違和感を感じずにはいられない。
そして、こんな大穴を平気で放置している無頓着な作り手なら、作品全体も面白くなる訳がない。
映画って「面白くする」ものであって、勝手に「面白くなる」ものではないだろう。
何も指導せずただ下働きをさせるだけで、一見「コツは盗んで覚える」タイプの徒弟関係のように見える。
しかしそれは「放任主義」のような「主義」のある指導方法ではなく、夏帆演じる駆け出しの訓練士も、山本裕典演じる家業のうどん屋を賄い始めた元訓練士も、未熟なレベルのまま表舞台に上げられて、その結果の失敗の一切の責任を当人になすりつけてののしるようなヒドい大人たちである。
その後の展開も、大人は助けず夏帆はさして成長せず、ご都合主義だけでドラマが進んでいく。
こんな設定やストーリーになっているのも、作者たちがこの物語や実在するモデルの人の人生に対して大人の視点で真摯に向き合っているわけではなく、ドジ犬に対して面白半分な視点で見ているメディアや大衆と同程度であることの表れだろう。
一方、ノーラン監督は以前から話の枠組みに対して特に執着しているようで、反面それ以外のドラマや見せ場や演出が、枠組みのための方便に過ぎず、おろそかになっていて物足りなさを感じた。
その枠組みとは、『メメント』(★★)なら「映画が進むにつれて過去に戻ること」、『プレステージ』(★★)なら「手品のタネの謎」について、そして『インセプション』は「夢の中でさらに夢を見ること」と「夢の世界が現実と区別がつかないこと」で、そんな超現実なことを映画で表現することを目指しているように思える。
この執着心に対する私の不満は、「枠組みってそんなに大事なことなの？ 枠組みよりもその中の登場人物の感情やドラマの方が大切なんじゃないの？ お客さんにとって重要なのは『複雑なものを観た』と感じることではなく、『いい思いをした』と感じることじゃないの？」ということである。
で、結局『インセプション』は、「夫婦愛」と「夢の世界」と、もしくは「アクションなどの見せ場」、どれを重視した作品なんだろう？
「夢の世界」なら上記の不満が相変わらず残る。
「夫婦愛」だとしたら、それを自然に作品の中心に据えていた『惑星ソラリス』に比べて、『インセプション』の設定の複雑さや無関係な見せ場は主題を邪魔しているだけにしか見えない。
「見せ場」だとしても、設定の複雑さは気が散らされるだけでわずらわしい。
1つの強い求心力に観る者の心を引きつけるような作品を観たかった。
大林宣彦っぽさとマンガっぽさは、これまでは別モノとして考えていたけど、この作品では両方感じたので、両者は似ていると思う方が自然かも。
つまりホラーは表向きだけで、『ヘザース』を思わせるような、女子高生の友人関係にある上下関係を、下の立場からの劣等感と向上心を合わせて描いて面白い。
『JUNO』の脚本家がまぐれでなかったことを示す結果になっている。
でもそんなことが、たとえ頭で解ったとしても、観ている気持ちがそれ以上この作品に入り込めないし、映画からも気持ちに入り込んでもこない、気持ちの接点を持てない映画になってしまっている。
あっという間に、記憶から抜けてしまいそう。
でも、所詮はどこまでいってもどこかの誰かの話しで、接点も実感も持てない。
緻密で繊細な表現は手堅いが、それは反面面白味に欠ける。
それでも、いまいち映画に入り込めなかった。
その理由は、まず作り手の子供目線が不十分。
淡々とした映画の雰囲気作りにこだわりすぎて、作り手が主人公の心の中に入り込もうとすることがおろそかになった。
ホラー描写が本格的で、心の交流の物語のシーンとの落差が大きく、相性が悪かった。
これら、さほど重大ではない問題ではあるが、すこしずつ積み重なっていることによると思われる。
繊細で生々しくて計算された表現や展開。
登場人物の性質や心情がさりげなく判るように作られていて、特に台詞なしで目線だけで表現しているラストシーンは素晴らしい。
そして、登場人物全員に問題があって、ダメな部分がメインで描かれているのだが、それでも根っこの部分に優しさのある人間としているあたりに、監督の人間に対する誠実で優しい想いが表れている。
しかも、モンタージュを多用した複雑な映像が、おそらく偶然に出来たのではなく、計算されて作られたと思われるのが。
ただ、それらがいかにもお客さんの期待するパターン通りで、結果的に良いのが当たり前過ぎるぐらいに感じられるほどで、逆に意外性がないことが引っかかる。
それって、贅沢な悩みか？ひねくれ過ぎか？
人間誰しも、自分が思っているほど自由でない、自分が思う世界の外側に殻を作っては、その外側のより大きな世界に殻を破って行けるという思い込みがあればこそ、この映画をしみじみ感じ入ることが出来る。
2010/09/29更新
「『アウトレイジ』は娯楽映画か？」といえば、その気になればもっとサービス精神を発揮していたと思われるから、違うのではないか？
「人間ドラマか？」といえば、描かれているのは「人間」ではなく「人間関係」であって、個々の人間の印象は薄い。
このストーリーで「人間」を描こうとすれば、神代辰巳監督の『棒の哀しみ』(★★★)みたいな映画になるのだろうが、目指しているところが違うような気がする。
それに、あまりにも多くの人が殺されるので、それらの人々の殺人シーンを1人ずつ用意しているせいで、それに尺を取られて相対的にドラマの要素が少なくなっている。
オチがすごく唐突でキョトンとしたけど、ズッコケるのが正解だったかな？
彼は、一言で言えば「脳内映画」の作り手なのか？
『パーマネント野ばら』で示される「真実」は、客観的に１つしか存在しないのではなく、主観的な真実が人それぞれに存在している。
そして、個人の想いを大きく突き動かすものの1つが「恋愛」。
一見、バラバラな主観が共存する歪んだ世界は好ましくないように思えるが、均一な世界よりも、一人ひとりが自分の想いを自由に押し進めて、それによる不均一を受け入れて自分とは違う他人を認めると同時に自分も肯定するようなこの映画の世界の方が、愛にあふれていて素敵だと思えた映画だった。
ところで、「映画を悪くしないためには、ケータイ電話を登場させないこと。」という法則でもあるのだろうか？
この映画でも、電話はピンク電話と電話ボックスの緑電話だけだった。
それからあまり気にならないことだけど、この映画ってストーリーに大穴があるんじゃないの？
その大穴とは…、「菅野美穂演じる主人公は、たいして好きでもない男と結婚したのか？」ということ。
ただし、ドラマとして盛り上がりが物足りないと感じた時があった。
アクション、グロ、お笑いなど、盛りだくさんの要素が詰め込まれているが、それらの中で前面に出るものが次から次へと１つずつ変わっていくので、観る側の気分としてせわしなく、1つか2つ減らした方がいいと思った。
2010/06/10更新
一言で言って、雑。
大量破壊兵器の技術を一部の人々や国家が独占して門外不出とすれば、それらの拡散が防げるかといえば、機密の漏洩や他勢力の技術のキャッチアップなどにより結局は拡散するのではないか？といった、現実的な問題を扱ったりした前半は興味深かった。
そんな狙いが色々あったのかもしれないが、結果的には表現し切れなくてスベったいるのか、次第に尻すぼみになって、ストーリーに生かされなかった。
罵倒する文句がワンパターンなのはしょうがないかな？子供だし。
2010/09/29更新
マニアックな匂いのする映画に果敢にチャレンジし続けている印象のある「秀才タイプ」の成海璃子と、なにも考えていないような感じでどんな役でもケロッとこなしてしまう「天才タイプ」の北乃きいという、まるで当て書きのようにピッタリなキャスティング。
この競演は、璃子ちゃんはかなり分が悪いんじゃないか？と思っていたが、彼女の役つくりに対する意気込みが、彼女のキャリア史上初めてと言っていいほど見事に実を結んでいたのも、古厩マジックのなせる技か？
2010/06/01更新
ジャルジャルはじめ知ってる俳優も、名前も知らない俳優も、出演者を魅力的に見せようという、基本に忠実な演出は、さすがの井筒和幸監督。
「自転車の二人乗りは名シーンになる」という法則でもあるのか？
面白くする気がないのか？これで面白いと思っているのか？誰も「これじゃダメだろ？」って（今からでも）止めようとしなかったのか？面白く出来なかったものを公開して後ろめたくないのか？
もはや、誰が何を狙って作った映画なのか、さっぱり解らない。
例えれば、どんぶりに麺を入れてお湯を注いでラーメンだと言ってお金を取って食べさせようとしているくらい、なんにもなくて解らない映画。
地方の豊かな風景や家族愛や人間愛など、全く予定調和と言っていい内容だが、それらを大切なものとしてきっちり描こうという意思の強さが現れていて、決してブレないしベタついた描き方もしない、真摯で上品で自然に心に染み入るウェルメイドな映画。
これに従って、ネットを介した人間関係を具現化した映画だとみなすとしっくりくる。
良い悪いは別として、不特定多数の中から友人（=同居人）を選べる状況というのは、相手が自分にとって有益かどうかが重要になる。
反面、自分とは相容れない人間が多数存在することも知ることになり、そんな人たちが自分の周囲の人間関係と違って自分のコントロールがまったく効かず、世の中を悪化させるという思い込みによる苛立ちを覚えかねない。
しかし、そんな考え方は自分の立ち位置が他者とは違うということの上に成り立っているが、現実には客観的に見て自分も不特定多数の中のありふれた1人に過ぎない。
自分が他者のことを覗き見たり人物像を決め付けようとしていることは、同様に自分も誰かによって見られたり思われたりしていると考えるのが妥当である。
以上のようなネット上で日常頻繁に行われている人間関係や、自分が思う世界と客観的な世界との間に生じるズレなどを、ドラマの形で表現している、クレバーな映画だと思った。
出演者は自然な演技で概ね好演。
貫地谷しほりは、スウェットの上下で家の中でダラダラしている役も難なく似合ってしまう。
2010/05/27更新
その最大の理由は、見せて欲しいと思っていることが見せられていなかったから。
その見せて欲しかったものは、物語のバックグラウンドにあたる部分。
この映画は、老人（仲代達矢）が飛び出すように家を出て、彼と2人住まいをしていた孫娘（徳永えり）が仕方なくついて行くところから始まり、最後まで非日常状態なのだが、この2人の家での日常はどんな感じだったのかが全く描かれない。
道中、孫娘は何度も祖父と共に暮らすことを選ぶか、祖父から離れることを選ぶかの選択に悩まされるので、2人の日常がどうだったかが観客にとって気になるところなのに、そんな重要なバックグラウンドが何も示されないのである。
また、孫娘が何を考えているのかもほぼ全編判りにくいままで、特に小さい頃に家を出た父親と最近死別した母親に対する想いが特別なものだったのだが、そんな重大なことが最後の最後まで観客に明かさないというのも不可解である。
老人の言動や性格も、シーンごとに同一人物と思えない程コロコロ変わっているのも、撮影がフィックスの長回しが基本で全体的にぶっきらぼうな印象も受けるのも、映画との距離が離れる結果になっている。
豪華出演者による芝居も、柄本明がらみのシーンは面白味があるが、ここ以外はドラマチックな盛り上がりはない。
以上の手法の意図を一言で言うと、「反ウェルメイド」なのかな？とも思う。
映画の作り手と観客の間に予定調和を廃して不親切な映画にすることで、馴れ合いの関係ではなく頭を使って踏み込んで観て欲しいと思ったのか？
でも、ストーリー的には「離れて暮らしても存在し続ける家族の関係」の映画なのに、そんな自然で普通な物語を、不自然を狙った手法で距離感を感じる映画にした理由がさっぱり解らない。
反ウェルメイドは結構だが、結果的にはその必然性が解らない以上、普通にウェルメイドな映画だった方が良かったと思ってしまう。
もし、山田洋次監督がこの映画を撮ったとしたら、もっと普通に撮って普通にいい映画になったと思う。
あと、BGMが延々と鳴り続けるのも、あれを良いと思う人がいるとは思えない。
ただし、そんな部分的なすごさはあるのだが、全体的なストーリーはなんかピンとこない。
2010/05/25更新
映画人たちが巻き込まれた大事件だったために、業界こぞって執念深いのかもしれないが、情報操作や心理的な弱みをつくことなどで事実がねじ曲げられる恐ろしさは、社会的立場に関わらず誰もが巻き込まれかねないのは、半世紀経った今も変わらない。
アメリカ映画では珍しい幻想的なストーリー展開で、世の中の人々、あるいは自分自身が真実だと信じていることは、実は誰かによって作られた嘘かもしれないということを描いているのが、斬新で同時代的。
おちゃらけた映画を狙ってることは判るけど、笑えないんじゃしょうがない。
文化が身近にあることによって、豊かな日常、豊かな人生をおくっているというイメージ。
多感な16、7歳なら、なおさらありきたりな日常より、先鋭的な異国の文化が輝いて見えるだろう。
もっとも、そんな自分が充実しているという感じ、周りの人たちとは違うという思いは、薄皮に覆われているだけのスノビズムに過ぎないという危うさがあるのだが。
そんな、まさに青春の光と影みたいな、晴れやかさと苦さが良く描かれていた。
ただ、キッチリした芝居だからといって、登場人物たちが無表情一辺倒で、心の動きや弱さが全く表れず、そんな状態でのドラマは面白くない。
音の凄まじさも加えて、どんな大作をもはるかにしのぐ、圧倒的なインパクトと陶酔感。
ストーリー的には、暴力が別の暴力へと連鎖していくという、意外にも常識的かつ古典的な「犯暴力」映画だった。
シリアスとは、即ち人間性を軽視するような状況が将来進むだろうということに対する異議申し立てをしている社会派映画だと思ったということ。
でも、それにしてはこの映画の、月面基地での3年間の単身赴任という状況設定は、実際には到底実施されるとは思えない方策であって、ありえない設定で起こりえる社会問題を描くのは筋違いだと思ってしまった。
（何故ありえない方策かというと、長期の単身赴任は駐在員に心理的負担がかかることが十分予想され、基地の運営をそのような駐在員に委ねるのは、事業的に考えてもリスクが高すぎるから。
月面基地の建設のための資材や、採取した鉱物など、地球と月との大量輸送は可能なようだから、地球との人間の行き来も問題なく頻繁にできるはずで、それなら今の国際宇宙ステーションのように、複数人が滞在して各人数ヶ月間の任期で人員を入れ替えるようにすればいい。）
結局は、星新一ショートショートぐらいの軽いSFだと思って観るのが正解だったようだが、映画の構えからシリアスな映画だと思ってしまった。
2010/04/18更新
『アバター』と比べると、VFXにかけているお金ははるかに少ないと思うが、『アバター』の映像の質感が「ツルっとした」「のっぺりした」CGっぽさを結果的に払拭出来なかったことと比べると、『第9地区』のザラザラ&ブレブレ画面の方が成功していると思う。
『第9地区』から連想した映画は、『ザ・フライ』、『蝿男の恐怖』、『鉄男』、『AKIRA』、『天空の城ラピュタ』など。
それらを連想したことは何も問題ないのだが、それらが揃いも揃ってコテコテのエモーショナルな強烈な見せ場の映画だったことを思えば、『第9地区』は見せ場の派手さでは負けてないが、エモーションでは遥かに劣っていた。
その理由は、四つ巴の戦いを繰り広げているその各々の誰もが、戦う動機をきちんと描いていないので、何のために戦っているのかが実感しにくいから。
『第9地区』は、観ていて荒っぽい印象を受ける映画で、演出が荒っぽくても構わないのだけど、登場人物の心情だけは丁寧に描いていたら、もっと彼らの身になって燃えながら観られる映画だったんじゃないかと思うと、とても残念。
映画の舞台が南アフリカであることから、アパルトヘイトと関連付けて差別問題を扱った社会的な映画かといえば、そこまでドラマ的に深い映画ではない。
そもそも、「人間同士」だから「差別」だと言えるのであって、「人間と宇宙人」となると関係性が変わり「差別」とは言えないことも考えられるので、それすらも「差別」と混同されかねない設定は、社会派映画とするなら避けるべきだろう。
ジョージ・クルーニー演じる主人公は、生身の人間が相手の自分の仕事が相手のつらい立場になって考えることが重要だという、心を大事にする気持ちを持つと同時に、情に流されずに仕事をこなすプロ意識も持ち合わせていて、意味のあることにはこだわるがそうでないことは日常から排除もしていて、この上なく正しい人間といえる。
ただし、そんなクールなはずの彼にも、孤独というものが重くのしかかってくるところに、「正しい」ということに関して、人間は完璧には出来ないものだということを感じる。
ありふれたコメディなので、ギャグのアイディアと芝居でどれだけ笑わせることが出来るかという、地道で基本的な仕事が勝敗の分かれ目になる。
では結果はどうか？というと、笑わせることには熱心じゃないのかな？と思った。
例えば、ヤクザのキャスティングが哀川翔とか菅田俊とかは当たり前すぎで、こういうところでヒネったキャスティングをするとかのアイディアをもっともっと入れ込まないと面白くならない。
あと、コメディって最高レベルの芝居や演出でないとダメだと改めて思った。
特に子役を使うのは、リスクが高くてで難しい。
でも、こんな悪ふざけをこれだけ徹底的にやると、それをぶつけられる側の人々が見せる良識が、ひょっとしたら外面だけでメッキがはがれてるんじゃないか？と思う状況がところどころ見られ、それを暴くことがこの映画の本当の狙いか？そんなことはなくただの悪ふざけか？どちらか見分けがつかないところでやっているのがすごい。
それから、多くの有名人が本人役で出演しているが、それも本人たちの意向なのか？勝手に本編に使っちゃっているのか？これも見分けられない。
何百日間も続くうんざりするほどの日常、任務の危険な状況に対して慣れを通り越して麻薬のように感じてしまうこと、そして自分の代わりがいないという現状からの使命感など、兵士たちの様々な想いを真面目に描いた映画だった。
演出の徹底ぶりは良いのだが、こういう話は登場人物が心の弱さをさらけ出すのを見たいと思うのだけど…。
感情をさらけ出してくれないから、直感的に面白くなく、観ている方には遠く離れた世界の人たちの話にしか見えず、彼らの苦しみもどうでもいいように思えてしまう。
2010/05/03更新
登場人物の言動やストーリー展開が意表をつきまくったり理屈が通らなかったりで、納得しながら安心して観ていられない。
台詞の量が多い会話部分も、漫才でいうツッコミにあたる台詞がかなりの部分を占めているが、ツッコミはそれ自体には内容が無く、つまりはリズムをとるためだけの一見無駄な台詞が多い。
普通の映画からはなかなか得られることの出来ない突拍子の無さに、つい引き込まれてしまう。
『川の底からこんにちは』も、そんなこれまでの作品同様の面白さを持っていた。
そして、ストーリーから改めて感じられたのだが、上に述べた彼の作風は、
「映画も含めたあらゆる物事に対して、単純化された小奇麗なイメージだけで当たり障りなくとらえて、すべてを解ったつもりになる。」
という思考パターンに対する反発からなのでは？と思った。
裏を返せば、
「世の中ってそんなイメージだけの小さな世界じゃなくて、その外側には下世話で、生々しくて、無意味かもしれないことだらけの理屈が通らない世界があって、でも本当はそっちの方が重要かもしれない。」
ということである。
キャッチフレーズを使って小奇麗なイメージを万能マニュアルのように発進している某女性誌の名前が劇中にチラッと登場するのも、嫌悪すべき考え方の象徴として使われたのかも？
主人公の彼氏が口にする「エコ」という言葉も、世間的にもスマートなイメージ先行で、でも実は人糞を畑にまくような世間のエコイメージ外の事こそ、よっぽどエコだったりする。
「駆け落ち」という言葉のイメージレベルで他人を人物像を決めつけて蔑み、その駆け落ちの実態や実際の人物像に目を向けようとしなかったり。
そして、この映画の重要な要素である親子関係について、「血のつながり」という言葉には、「血がつながっていない関係とは明らかに違う確かな関係」のイメージがつきまとうが、現実には実の親子間の殺し合いは日常的に起きている。
親子関係も他の人間関係と同様に、嫌なことにも向き合って、面倒なこともやって初めて築き上げられるもので、血がつながっているだけでは良い親子関係は望めないし、血がつながってなくても親子同然になれる。
「スマートさ」「解りやすさ」「理屈」よりも、「生々しさ」「モヤモヤ」「パッション」。
人間を描くにあたって、美化するのではなく嫌な部分も受け止めなければならないと思っている監督だからこそ、イライラや不可解さも感じる作風の映画になっているのではないだろうか？
『川の底から〜』は、石井監督の初の商業映画ということで、多くの人々に受け入れてもらえるように、とっつきやすい映画になっている配慮も感じた。
でも人間を描き続ける限り、彼はこれからも「誠実に」意地悪な作品を作ってくれるだろうという期待を抱くことができた。
よって、ものすごくこだわってストーリーや演出方法を作り上げていることは判るが、はたしてこの方法が最善だったかどうか？
同じ自殺志願者が主人公の『ヴィヨンの妻』(★★★)は主人公の心情を描いていて、やはりあちらの方がすんなり楽しめたのが事実。
そして、それを実現できる人物の具体像として、モーガン・フリーマンがマンデラ大統領役を貫禄たっぷりに演じて、映画に説得力を持たせている。
2010/04/09更新
つまり、映画作りって、
（１）シリアスなメッセージを込めているのなら、まず作り手が本気を見せること。
（２）そんな映画でないのなら、上手な嘘つきになって、お客さんをだまし通していい気分にさせること。
のどちらか、というのが基本だと思う。
『ソラニン』は、登場人物たちが人生の壁にぶつかるストーリーなので、（１）であるべきだと思うのだが、一言で言って「人生壁ぶち当たり『ごっこ』映画」にしか見えないほど、作り手の本気が何も感じられなかった。
本気になれないくせに、ちょっとした会話で笑わせようとか、クライマックスの演奏シーンをカッコよく見せようとか（演奏終わりの沈黙って、あれがイケてると思ったのかな？ 演奏そのものより、カッコつけでうわべだけ良く見せようという意図しか感じられない）、（２）のタイプの映画も狙っているようだが、「上手な」嘘つきにははるかに及ばない。
つまり、青春ってカッコ悪かったり苦しみにまみれてたりするようなものなのに、それに向き合う度胸が作り手には無くて、カッコつける方に向かったりして傷つくことから逃げていることが、本気で映画を作っていないということ。
この映画の登場人物や作り手よりも、もっと真剣に現実世界で生きている人はものすごく多いと思うが、そんな人たちを不愉快にさせるような失礼な映画だと思う。
その上お金を取ろうなんてとんでもない。
親に捨てられた子供の資質が、良いか？悪いか？
その子供を引き取った親代わりの人たちが、良い人か？良くない人か？
諸々の状況が、良いか？悪いか？
の3つの要素に関して、8通り考えられる全部の組み合わせの中で、唯一圧倒的に成功に近い「3つとも良かった」という状況の実話を元にした物語だった。
もちろん、全くのとんとん拍子ではなく問題は起きたり、いい話なりの良さもあるんだけど、映画としては困難な障壁を用意して、とんとん拍子だと感じさせない方がいいだろう。
アカデミー主演女優賞受賞の演技は、悪くは無いけど、演じたキャラの魅力がプラスに働いたかな？
実際にはそれとは逆に、自分と同じ常識や資質を、他人も持っていることが当然だと思っている人が多いのではないだろうか？
そして、その思い込み通りの言動が出来ない人に対して、善悪の切り分けによって「悪人」とみなして不快感を感じ、そんな不快な状況を解消するために、その人を切り捨てようと考える。
そのように、一部の「悪人」を遠くに追いやることによって、自分たちのような大多数の「善人」たちによる善良な世界が守られると考えている。
でも、当たり前の人間なら出来て当然のことが出来ないからといって、それが罰を受けて当然の「罪」だと言えるだろうか？
罪とは言えない判りやすい例が「障害者」であるが、つまり「悪」だと自覚していることを故意で確信的に正当性も無く行えば「罪」だと言えそうだが、それら総ての条件を満たした正真正銘の「罪人」「悪人」ってそんなに多いとは思えない。
ひょっとしたら、かつて一人もいなかったかもしれない。
なにしろ、善と悪は本当に分けられることが出来るかが怪しいから。
このように考えると、自分の思い通りにならない人に対しては、簡単に切り捨てるのではなく、相手を受け入れる寛容さを持つ心がけが大事そうだ。
切り捨ては、切り捨てられた人々が行き場を無くすると大きな社会不安の要因になるし、切り捨ての判定が適切に行われるとも思えないから、差別そのものと変わらないなど、いいことととは思えないし。
『おとうと』は、後半が「おとうと」を受け入れる展開になっているが、前半では彼を切り捨てるべきとの立場でついつい観てしまい、自分の考え方がいかに当てにならないかを身をもって感づかせてくれるのがミソ。
でも、つい先日『イエローキッド』(★★★)を観てしまったせいもあるが、現実的な重いテーマを取り上げながら、セットで撮影されている「うそ臭さ」と同様の感覚がいたるところに感じられて、現実感が不足していて古臭いタイプの表現だと思ってしまった。
大雑把に、テレビドラマの第1回目のエピソードと最終回のエピソードとパイロット版の全3部が、それぞれ3分の1ぐらいずつの尺で構成されている。
この映画の総監督である井口昇が演出した第1部に限って言えば、まるで監督がこの手の題材の映画の「正解」が判っていて、それを目指して作られた映画であるかのように、動作、台詞、映像の可愛らしさやカッコよさが、何もかも絶妙にキマっている。
井口監督の近作『片腕マシンガール』(★★★)や『ロボゲイシャ』(★★★)の特長もクオリティもそのままで、彼の作品が決してまぐれで好調なのではなく、確実に面白い作品を作れる実力があると言えそうだ。
恋愛がらみだったり、国家の威信や誇りをありがたがる考え方が個人に犠牲を強いることに結びつくことへの批判が込められているドラマ部分は、あまりたいしたことはない。
そんな短編のデメリットを克服しようという意図なのだろうか、どんでん返しによるインパクトを狙った展開のものが目立ったが、強引さを感じたり、しょせんオチだけの話のように思えてしまった。
そんな中で岩井俊二監督の作品は、撮影環境やスタッフが変わっても、ビックリするほど今まで通りの岩井調だった。
あの、強引過ぎず間延びし過ぎずの絶妙な緩急の加減で軽やかに展開し、きれいにオチへと軟着陸してみせる語り口の良さは、他の監督作品と比べてもピカイチ。
彼の演出部分だけで採点すると、一段上の★★☆。
「何を目的に作られたのかが解らない」
「作り込みが弱い」
といったことがここでも感じられる。
『時をかける少女』の話はクライマックスで切なさを伴うから、少なくともそこはじっくりとあの手この手でたっぷり切なくしなければならないのに。
8ミリ映画青年ネタは、作り手の個人的な思い入れからなのかもしれないが、たとえ独りよがりと言われても、むしろそれをもっと色濃くした方が、「作る意味」の点での不満はなかったかもしれない。
そんな弱さの漂う中で、主演の仲里依紗は思いきりのいい芝居を見せていて、結果的に彼女を見るための映画になった。
でも、映画って基本的に、
「リアルな映画なら、はらわたに染み入るようなやつ」
か
「ウソ映画なら、楽しいやつ」
じゃないと面白くないと思うんだけど、この映画を観ていた大半の時間の印象は、
「はらわたに染み入りそうなことを描いているのに、しょせんはウソ映画」
「ウソ映画にしては、観ていて楽しくない」
というものだった。
登場人物の中では、YOUが一番のお気に入り。次が松田龍平。
芝居も映像も厚みがある。
ショックシーンを小出しにする展開上、映画の大半が会話シーンになるのだが、さらにその会話の大半が無意味なやりとりだったりで、プロらしい作り込みがほとんど見られない。
この世とあの世の両方にまたがった物語の場合、死別してそれぞれの世界に引き離された登場人物は、相手への想いが募って相手へのコンタクトを求めても、物理的な接触は叶わないのだから、その想いを大切に描こうとすれば必然的に観念的、あるいは妄想がかった映画になるはず。
この分野の名手といえば、『その日のまえに』(★★★☆)、『ふたり』(★★★)、『異人たちとの夏』(★★★)などの大林宣彦監督で、なにしろ題材が「死」という厳粛なものなのだから、大林監督ぐらい高い志を持って真摯に映画製作と向き合うことが出来なければ、まともな作品にすることなど出来ない。
それに対して、ハリウッドが手がけると観念的に高める代わりに、無理やり物理的な関係を持たせてハッピーという映画にしちゃうから、その安直でご都合主義的な発想にしらけるような作品ばかりだった。
たとえば、『ゴースト/ニューヨークの幻』(★)とか、『奇蹟の輝き』とか。
さて、『ラブリーボーン』はどうだったかと言えば、やはり死の重みや大きさは全く足りないのだが、安直さやご都合主義が無かった分、上記の2作品はマシだった、という感じ。
でも、安直さは感じなかったが、別の邪な意図があるように思えた。
一見、恋愛や家族愛を描いているようなこの映画に不釣合いなシーンがいくつかあった。
妹が犯人の家に留守中に忍び込んで手がかりを探そうとしているところに犯人が帰ってきてしまうという、『サイコ』にもあったようなスリラーシーンの凝りまくり具合。
そして、クライマックスシーンで「死体がみつかるんじゃないか？」との観る者の予想をはずしてみせるという、『殺しのドレス』のクライマックスシーンをほうふつとさせるようなミスリーディング。
そう考えると、あの世を舞台にした作品にした理由は、死の重みを描くことよりも、「何でもあり映像」を取り扱うことのための方便のようにも思えてくる。
しかし、「物語」を大事に思う人たちが無関心の人たちに対して勝利出来る可能性が信じられた20年前の『バロン』と違って、今や『Dr.パルナサスの鏡』で描かれているように、「物語」側の敗色が絶望的なまでに濃い。 （芸能や文芸に携わる人々への敬意が薄れ、彼らの実像のネタで喜ぶようになった日本などは特にそう。）
この最近の敗色気分って、多くのクリエーターたちにとって致命的な大問題と思われるが、その最前線で孤軍奮闘（それとも、ドン・キホーテのように無意味な戦い？）といった感じである。
でも、劇中でDr.パルナサスが求めていた人々は、一言で言えば「博愛精神の持ち主」「正しい選択が出来る人」であって、「物語の必要性」とは一致せず、したがって映画を1本の芯が貫いているのではなく2つの芯が同居しているような感じで、居心地が悪い。
まあ、無理矢理こじつければ、どっちも人間の心の持ちよう次第だということでは同じだと言えるだろうけど。
とはいっても、この映画はあくまで「B級SFアクション」なので、アクションを見せることが目的で、それ以外に関しては肯定的な意味で「テキトー」。
架空の世界の再現に厳密な考証を行っているわけでもない。（今でさえ健康マニアが多いのに、1日の大半を座って過ごす生活を選ぶ人があんなにいる訳が無い。）
文明批判っぽい要素もあるが、最低限の説得力を持たせる程度の浅さで、突っ込んで批判しているわけでもない。
というわけで、B級SFアクションとしては最近には珍しい90分を切る尺の短さも合わせて、ブラックジョークもちりばめつつ、ほど良く面白く仕上げられた映画だった。
ブルース・ウィリスが、こんな映画でもきちんと出演しているのも嬉しい。
でも…、色々と映画を取り巻く状況が厳しい昨今、果たして「ほど良く面白く仕上げられた映画」をのん気に作っている余裕などあるのだろうか？
もしポール・ヴァーホーヴェンが監督していたら、もっとブラックジョークを詰め込んで、『ロボコップ』(★★★☆)みたいにムチャクチャな面白さの映画になったかもしれないと思う。
しかし、一言で言えば、全体的に面白くしようと思えば出来るだけの余白がたくさんありながら、手付かずのままといった感じ。
そのくせ、主役2人がそれぞれ抱える私生活の問題に多くのシーンが割かれている割には、本筋に生かされてなかったりする。
それなのに、ガッチリ勝ちにいこうと頑張っちゃったりして、結局当たり前のようにものの見事に負けちゃって、それなのに「まんざら無意味でもなかった」などと思い出に浸ってしみじみしちゃったり、冒頭では「これは恋物語ではない」などと言い訳みたいなことを言ったりして、馬鹿なのか？
そんな男の姿を見て、あんな苦しい思いを体験してみたいもんだと思ってしまう。
バカだなんて見下す奴は、本当の喜びを知らない可愛そうな奴だから、言わせておけばいいさ。
おとぼけ調子で進む展開が、途中からその裏にあるシリアスな面が見えてくる。
この場合、展開の変化に観る側が置いてけぼりを食らうことになりがちで、この映画もそれが若干感じられたが、演出の懐の深さで持ちこたえていた。
子供（たち）だけの登場人物によるシーンが大半なので、子供が観ても自然に向き合える映画だと思うが、子供の精神的成長という題材は、その成長手前で未経験の子供には難しいだろう。
だからどちらかと言えば大人向けの映画かもしれないし、他者との関わり方の問題は大人には無関係ではない。
むしろ、これを観て反省して欲しい問題だらけの大人って結構多いかも？
板尾監督のお笑いらしく、予定調和に背いているのだけは確かだけど。
板尾監督は、インタビューで過去の脱走映画の数々に対する思い入れを語っていて、その系譜の作品を作ったのかと思ったが、いざ慣れない映画作りに挑戦するに当たって、結局は自分の得意分野である「シュール」をメインにすえることにしたのだろう。
脱走のディテールよりも、脱走し過ぎるおかしさ。
場違いな字幕や挿入歌や、「そんなバカな」なオチ。
だったら、シリアス映画を装うのは、余計に観客を惑わすだけだったかな？
いや、そこすらセオリーをはずして作ったんだったりして。
つかみどころの無い映画って、コメントに困る。
なんで素直に喜ばせてくれないの？
【１】 ストーリーは、ファンが憧れのロックバントに近づいて深くかかわっていくことと、売れる音楽とやりたい音楽の間の葛藤の２つが柱で、どちらもこれまで何度も他の映画の数々で扱われたもの。
【２】 【１】のストーリーの映画の定番は、登場人物の心境をきっちり描くことによって、観る者が感情移入しながら登場人物たちの葛藤を感じるというもの
【３】 しかし、『BANDAGE』の登場人物たちは何を考えているのかが判り難い人たちが多い。 北乃きいが演じるのはまだ高校生だし音楽業界の門外漢だということを意思が定まらない理由に出来るが、名目主役の赤西仁演じるボーカリストがほぼ全編何を考えてるのか？何が目標なのか判らず、（よくこんな役をを引き受けたもんだと思うくらいの）ダメ人間をダルい芝居で演じ続けたのは、この映画で一番異様だった。 よって、あえて感情移入させないこと、【２】のような定番のバンド映画にしないことを狙った（何のため？）としか思えないほど、つかみ所のない映画になっていた。
【４】 それじゃ、感情移入を嫌った、突き放したようなクールさで通したのかといえば、そうではなくて、要所要所数シーンほど、感情で押したウエットなシーンが入って、そこがこの映画の見どころのような感じになっている。
【５】 演出の方法は、おそらく簡単な打ち合わせの後に長回しで撮影して、俳優たちには通しで自由に芝居をしてもらう即興演出。 これは、本作品の製作者である岩井俊二の『花とアリス』(2004、★★★☆)や、彼の製作で脚本家の北川悦吏子の初監督作品の『ハルフウェイ』(2009、★★☆)と同様と思われる。 監督が細かいことまで決めなくても撮影でき、芝居が型にはまらず生っぽくなるという点では効果絶大な演出法。 それ故、即興芝居が出来る俳優をキャスティング出来るかが重要になり、『ハルフエェイ』で実績のある北乃きいと、長年にわたって岩井ファミリーの伊藤歩という布陣で臨んで、特にきいちゃんは【４】でのべたように、映画のエモーショナルな部分のほとんどを担っていた。 他の出演者たちも良かった。
以上のことから結論をまとめると、意図が解らない部分が多かったけど、部分的には良かった。
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